El antes y después de Rock en tu Idioma

El antes y después de Rock en tu Idioma

Por Anna Stephens

Siempre que se aborda el interminable tema de si existe o no el indie en México, irremediablemente es necesario hablar de la industria discográfica nacional. Más allá de las definiciones superfluas de si el indie es o no un género o si su existencia se define a partir del significado de independencia, nadie puede negar que en México se vive un momento musical crucial. Nunca antes habíamos tenido un número tan creciente de bandas, lo cual no necesariamente significa calidad en el producto, pero sí nuevas formas de acercarlo a los melómanos del indie nacional.

En los años noventa, el llamado movimiento “Rock en tu Idioma” tenía que moldearse de acuerdo a los estatutos de las cuatro grandes compañías discográficas (Sony, BMG, Universal y EMI), porque era el único medio para poder darse a conocer. Quien quisiera integrar una banda en ese época se la pensaba dos veces cuando tomaba en consideración el control de las disqueras sobre los medios, la poca inversión en el rock pop hecho en México y los casi inexistentes foros para presentaciones en vivo.

A diez años de la edición del acoplado de “Rock en tu Idioma” podemos ver lo que la otra cara de la moneda tiene para músicos y melómanos. Tan sólo en el 4° Festival Diego Rivera y Feria De Las Disqueras Independientes se contabilizaron al menos 37 sellos y distribuidoras, cada una de ellas con especialidad de géneros y lugares de origen distintos. Sin embargo, existen 2 disqueras en particular que destacan por el trabajo hecho y por lo que lograrán en los meses venideros: Noiselab e Intolerancia Records, respectivamente.

Noiselab una disquera que en un principio se dedicaba a promover sólo house, comenzó a expandir sus horizontes musicales con la edición nacional de material de Matador y Domino, a precio accesible. Con esto lograron cubrir el nicho del indie rock en inglés justo cuando el boom de estas bandas apenas comenzaba. Sin embargo, el negocio no nada más se encontraba ahí: Héctor Mijangos y compañía comenzaron a firmar y editar bandas nacionales -siendo Los Fancy Free una de las primeras-, lo que significó la organización de tocadas, presentaciones de discos, promociones especiales y concursos. El acercamiento de Noiselab con las bandas, hizo posible que conociéramos a Sub-Division y Los Dynamite, pero tal apertura también propició un cuello de botella del cual aún no logramos escapar. La creación de bandas sin definición propia, el flujo constante de demos y EPs y la organización de fiestas y eventos, abarató la calidad de la música.
En opinión de Jorge “Negro” Hipólito (Noiselab), el indie en México ha dado buenos frutos, pero aún está por verse quién podrá llegar al lugar de Café Tacvba. “Recientemente hemos visto un gran boom de bandas independientes en México, pero creo que aún no tenemos aquella que pueda presumir de lograr lo que Café Tacvba a lo largo de su carrera.”. Algo un tanto obvio si consideramos que Café Tacvba se medía en los noventa con apenas una docena de grupos y que desde entonces, su estrategia de mercado ha sido bien lograda al rodearse de gente que conoce a profundidad los medios. Esto sin importar la repetitiva aportación musical que hemos escuchado disco tras disco, un mantra inmaculado para los seguidores de los de Satélite. Además, ¿dónde queda la identidad de una banda cuando sus aspiraciones musicales son llegar a ser como Café Tacvba?

Sin embargo, es de aplaudirse la perseverancia que Café Tacvba tuvo por su música en sus inicios, algo que sin lugar a dudas hace falta en la actualidad. La repercusión de esta situación se traduce en una inversión alto riesgo para la industria discográfica nacional.

Por su parte, Intolerancia Records ha jugado bien sus cartas al mantener un perfil discreto y saber dedicarle tiempo y dinero a las bandas que firma. Gerry Rosado (ex Consumatum Est) se muestra molesto al reconocer que el problema de la música hecha en México, no es más que un reflejo de nuestra cultura. “En Intolerancia buscamos a un grupo que se tome en serio su profesión. Sabemos que los artistas no viven de vender discos, sino de las presentaciones en vivo. Es necesario profesionalizar a las bandas, independientemente del género o la música que toquen, el resultado final no está en la edición de un disco, sino en tu propuesta arriba del escenario. No podemos seguir imitando modelos del exterior que poco a poco han estado autodestruyéndose, pero tampoco podemos apostarle a grupos que suben al escenario sólo porque está de moda colgarse una guitarra y tener un poco de actitud”.

Intolerancia Records editó el mejor álbum indie del 2007 “Paper Dolls”, a cargo de Descartes a Kant. Este quinteto de Guadalajara lleva un sexenio en el camino por difundir su música. El apoyo de Intolerancia y su profesionalismo los llevará a presentarse en South By South West 2008.

Tanto Intolerancia Records como Noiselab coinciden con la ley de supervivencia del más fuerte. Con la gran industria discográfica y su antiguo modelo de comercialización en declive a nivel global, es momento de que nuestro país se abra a nuevas formas de acercar la música al público. El camino lo están trazando los sellos y bandas independientes; la amplia gama de propuestas musicales y un público mexicano que ya no intercambia su oro por espejitos (aunque estos sean de manufactura nacional). Sólo así no tendremos que pensar en qué banda tomará el lugar de Café Tacvba, sino quienes integrarán el acoplado de lo mejor de ésta década.

M.I.A. - Kala

M.I.A.
Kala
XL Recordings

Por Anna Stephens

Dentro de la pobremente reconocida escena femenina del grime y hip-hop independiente, M.I.A. ha destacado por presumir sus raíces e ideología política sin importar la censura y sus consecuencias. Esta actitud le ha negado la entrada no sólo a la radio comercial sino también a Estados Unidos, lo que se compensa con su entrada a las listas de mejor álbum del año con Kala.

Kala expone, con sus diferentes aristas, el verdadero concepto del girl power -tan manoseado y malinterpretado por las Spice Girls-: el juego sexual (“Come Around” feat. Timbaland), la injusta política tercermundista (“Bamboo Banga”), el feminismo (“World Turn”) y la desesperación (“Bird Flu”). A M.I.A. la acompañan Timbaland, Switch, Diplo, Blaqstarr, Afrikan Boy y The Wilcannia Mob que no hacen mas que acoplar perfectamente el hip-hop, reggae y dancehall de M.I.A. con los ritmos y sonidos de Sri Lanka.

Kala se ubicó en las listas de lo mejor del año, con la peculiaridad de que en éstas se mide con otros artistas de géneros muy distintos al suyo… géneros no sólo musicales, sino también sexuales.

MX Beat - 2008

Marlboro MX Beat 2008
Centro Dinámico Pegaso
Toluca, Estado de México

Por Anna Stephens

Afortunadamente en México vivimos un gran momento en cuanto a festivales. Los hay de todo y para todos, pero en lo que respecta a la escena hipster, se agradece que cada vez nos acerquemos a un mejor nivel en cuanto a inversión, infraestructura y logística. El festival que lleva la delantera es sin dudas el MX Beat. En pocas (¿ninguna?) ocasiones el boletaje se ha agotado para un festival que saca a los capitalinos de la ciudad para llevarlos al frío clima de Toluca y terregoso espacio que es el Centro Dinámico Pegaso. Sin embargo, el festival toluqueño tiene algunos puntos que mejorar.

Se agradece el control de seguridad en el acceso, aunque es poco coherente que semanas antes se anuncie un pre-registro de boletos para que al llegar tengas que formarte para recorrer los mismos 4 pasos del registro del website. Se aplaude la puntualidad con la que salieron las bandas, pero es de lamentar la mediana calidad del sonido en el escenario principal, mismo que retrasó en un par de ocasiones el set de M.I.A. Qué bueno que el alcohol y la comida hayan tenido un precio accesible, aunque es necesario encontrar una nueva forma de agilizar las filas de taquilla. Es lógico que el evento sea para mayores de edad, pero dónde estaban los elementos de seguridad y primeros auxilios cuando en la madrugada del domingo le llegó la congestión alcohólica a varios de los presentes.

Felicitaciones a Jarvis por su presencia y contacto con el público, lástima que sea la excepción a la regla británica y haya salido 15 minutos tarde, acortando así el set de M.I.A. y retrasando la salida de los Beastie Boys. Pleitesía al trío neoyorquino por disipar las dudas y presentarse en un acto totalmente en vivo, ejecutando impecablemente sus instrumentos e improvisando con el nivel que sólo ellos tenían en el festival. Gracias por los regalitos (cajetillas de cigarros, mochilas, playeras), pero por qué no instalar una tienda de objetos perdidos. Pocos señalamientos tanto para llegar al foro, como para conocer la distribución de los escenarios y demás… por cierto, ¿por qué no distribuir los horarios de las bandas junto con el croquis del lugar?

Con todo y esto, el MX Beat demostró que el alto riesgo, se reduce con un buen cartel y organización. Que en México aún nos falte desarrollar más la cultura del festival -lo que implica tener conciencia de pertenencia (no de masa) y entretenimiento-, eso esperemos que nos llegue con la profesionalización de otros eventos del tipo.

Gnarls Barkley - The Odd Couple

Gnarls BarkleyThe Odd Couple(Warner Music, 2008)
De la locura a la esquizofrenia
Por Anna Stephens

Hace un par de años que la música se encuentra en una etapa de confluencia de géneros tan pasajeros como la moda misma. En una época en la que medios como Guitar Hero, Rock Band o Virtual DJ todos podemos ser "músicos", es difícil encontrar artistas con la constancia y nivel necesarios para considerárseles algo más que una canción incluida en un acoplado de temporada. Los fetichistas de la moda más famosos de la industria se visten de estas premisas para su segunda entrega The Odd Couple. ¿El resultado? Una esquizofrénica pasarela musical.

Danger Mouse y Cee-Lo – con marcada influencia del OutKast más popular - ofrecen el primer corte del álbum: "Charity Case", que con su beat cadencioso, coro contagioso y una voz femenina en segundo plano logra dejarnos a la expectativa de un ritmo más acelerado. Sin embargo, llega "Who's Gonna Save My Soul", la cual califica dentro de lo mejor que han hecho Danger Mouse y Cee-Lo; al escuchar este sencillo que sucede a "Run (I'm A Natural Disaster)", se desconoce la relación que guarda con el corte abridor, ya que la intensidad baja de manera considerable y no queda nada más que la envolvente y nostálgica voz de Cee-Lo, quien se queja de un modo amargo de su solitario destino:

“Who's gonna save my soul now/How will my story ever be told now”
(“Ahora, quién salvará a mi alma/Ahora, cómo se contará mi historia”)

Continuamos con las contrariedades del dueto: "Going On", que una vez más, muestra la influencia rítmica del ya mencionado dúo de East Point, Georgia: Antwan "Big Boi" Patton y "André 3000" Benjamín aka OutKast. Éste es un corte mucho más alegre - incluso en su letra – donde en sentido opuesto a la anterior, Cee-Lo es feliz al dejarlo todo en busca de un destino mucho mejor:

“Something you've got to believe in/Connect the cause and effect/One foot in front of the next/This is the start of a journey/And my mind is already gone”.
(“Hay algo en lo que debes creer/Conectar la causa y el efecto/Un pie delante del otro/Este es el comienzo de un viaje/Que mi mente ya inició”).

Viene "Run (I'm A Natural Disaster)": Hip-Hop y Soul al que nos tenían acostumbrados desde su primera placa St.Elsewhere (Warner Music, 2006). Una composición corta, directa y rápida, cuyo video incluye al ajonjolí de todos los moles Justin Timberlake, como conductor de un programa musical (una contrariedad más), en lugar de ponerlo a hacer lo que mejor sabe: bailar.

Seguimos con "Would Be Killer", lo más bizarro del disco. Danger Mouse le pone música al desequilibrado estado mental de su compañero y asesino potencial. Con esta lenta y pesada carga rítmica - donde Mouse toca fondo -, podemos imaginar al dueto personificar al paranoico indio americano Chief Bromden, y su víctima y amigo, el convicto Randle Patrick McMurphy de One Flew Over the Cuckoo's Nest.

A diferencia de las demás canciones, "Open Book" pasa sin mérito alguno más allá de su cercanía al oscuro Grime de The Streets, pero sin el acento de Mike Skinner. "Whatever" es Gnarls Barkley a mediados de los 90 disfrazados como banda de rock británica. Para "Surprise" cambian de indumentaria por una de banda hippie californiana de los sesenta. Volvemos a la depresión en el 2008 con "No Time Soon", otra joyita de la dupla y favorita del álbum para Danger Mouse. "She Knows" bien podía haber quedado fuera, al igual que "Blind Mary" (favorita de Cee-Lo), "Neighbors" (la peor del álbum) y "A Little Better", la más apegada al Hip-Hop de Kanye West.

Es evidente que el proceso de ambos músicos es absorber todo cuanto entra por sus oídos para después confeccionarlo a su medida, y es que a pesar de que Gnarls Barkley trata de seguir el mismo estilo Neo-Soul/Hip-Hop de St. Elsewhere, la sensación que al final deja The Odd Couple es de mareo. Tanto cambio de vestuario musical aunado a la ausencia de un hilo conductor, provoca que se preste más atención al origen que al resultado final, además que es de extrañarse la bailable y divertida propuesta que Danger Mouse hizo en Demon Days de Gorillaz o en The Mouse and the Mask de Dangerdoom.

La segunda entrega de Gnarls Barkley es una producción que complace a los melómanos consumidores de sencillos de temporada y al mismo tiempo comprueba el conocimiento y dominio de la dupla en este mercado. La imagen es obvia: en un extremo Danger Mouse se embarca en otra magnánima producción externa, en el otro Cee-Lo escribe canciones para Brandy o Pussycat Dolls y como salero: The Odd Couple.

Arcade Fire - Neon Bible

Arcade Fire
Neon Bible
Merge Records

Por Anna Stephens

Si Funeral (Merge Records, 2004) fue un álbum conceptual inspirado en la tanatología, la idea de Neon Bible es cuestionar y retar con magnificencia y arrogancia los preceptos seculares y espirituales que siguen en un proceso de duelo. Arcade Fire llevó estos cuestionamientos -léase obsesiones teológicas del vocalista Win Butler- al extremo, el septeto se propuso superar en todo a Funeral.

En Neon Bible, los temas se volvieron de carácter menos personal y más universal: la guerra (“Black Mirror”, “Keep the Car Running”), el amor (“My Body Is A Cage”, “Ocean of Noise”) y la fe (“Intervention”, “Antichrist Televisión Blues”). La línea musical los llevó a grabar a una orquesta húngara, un coro militar y utilizar un órgano de iglesia, sin olvidar que gran parte del álbum fue grabado en un templo católico en Québec, que fue acondicionado como estudio.

El valor de Neon Bible no únicamente reside en el significado del segundo álbum en la carrera de una banda independiente, sino que es una segunda producción conceptual de Arcade Fire en la cual no sólo se perdieron el respeto musicalmente, sino que también le perdieron el respeto a sus propios preceptos ideológicos.

Reseña Babyshambles

Babyshambles
Shotter’s Nation
Parlophone

Olviden a Doherty: ésta es otra gran producción de Stephen Street

Por Anna Stephens

Siempre me ha parecido injusto juzgar el trabajo artístico de un músico a partir de su vida privada, aunque ambos aspectos vayan de la mano. En el caso de Pete Doherty es imposible leer acerca de Shotter’s Nation y no toparse con los juicios acerca de su existencia como un drogadicto profesional. Estas críticas encuentran su justificación desde el título del álbum. De acuerdo a la jerga Dohertiana, la palabra shotter se refiere a los traficantes de crack.

Sin embargo, el ex vocalista de The Libertines plantea inteligente desde la primera canción “Carry On Up the Morning” una analogía entre la fama y cómo Dr. Pete Jekyll lucha cada mañana contra la adicción de Mr. Doherty Hyde, desdoblamiento con el cual se debe escuchar esta segunda entrega de los ‘Shambles.

Sin importar poner en riesgo la romántica reputación de la banda como el claro ejemplo de que la bohemia aún es posible en nuestros días, Babyshambles decidieron trabajar con Stephen Street, productor de discos clave para The Smiths, The Cranberries, Blur y Kaiser Chiefs, entre otros. Los antecedentes curriculares de Street perfilaban para que el cuarteto se convirtiera en una banda de estadios, que el desenfado e indiferencia que sacó a relucir Mick Jones en Down In Albion (primer álbum del cuarteto) se opaque con tal de dar paso al contundente glamour del indie pop característico de Street.

A lo largo de las 12 canciones Doherty no se aleja en nada a lo que ha escrito desde su romance con Carl Barat: lealtad, traición, justificaciones, confusión y temas de la vida ordinaria de un junkie. Hasta ahí todo como de costumbre, la diferencia la marcan los arreglos musicales y la dicción de Pete, que ahora se ha vuelto mucho mas clara, al igual que el manejo de su voz.

Además de “Carry On Up the Morning” destacan “You Talk”, “Side of the Road” -que recuerda al trabajo en el EP I Get Along, de The Libertines-, “Crumb Begging Baghead” y “French Dog Blues”, en esta canción en particular se extraña la segunda voz de Carl Barat. “There She Goes”, “Lost Art of Murder”, “Unbilotitled” y “Unstookie Titled” son canciones en las que Street no pudo meter mucha mano y dejó que Doherty hiciera lo suyo. “Delivery” y “Baldie’s Boogie” pasan sin pena ni gloria, mientras que “Deft Left Hand” es la mejor de Shotter’s Nation.

Si Down In Albion era Mr. Hyde por ser un compilado de canciones “producidas” por Mick Jones (al final los demos de esas canciones que circulaban por Internet resultaron mejores que lo que hizo Jones); entonces a Shotter’s Nation puede considerársele como el Dr. Jekyll de los ‘Shambles: 12 canciones bien integradas en una sola producción.

Es obvio que este álbum no llegará a la lista de los mejores del 2007 porque no propone nada fuera del estilo particular del grupo en cuanto a temática y composición musical, pero se aplaude y agradece que por fin alguien pudiera marcarle límites al libertinaje artístico de Doherty y guiarlo en el proceso de los arreglos y la producción; darle a entender que Babyshambles es un cuarteto y no sólo tres pajes acompañan en su carrera como el famoso trovador más decadente de nuestros tiempos.

En conclusión Shotter’s Nation puede interpretarse de dos formas: como el mejor disco de los Babyshambles hasta el momento, o como otro gran disco en la carrera de Stephen Street.

Por cierto, Babyshambles son: Pete Doherty, Adam Ficek, Drew McConnell, Mich Withnall y… Stephen Street.

Entrevista Andrew Kenny

Entrevista Andrew Kenny
Por Anna Stephens

Si uno se remite a los grupos indie norteamericanos que han logrado que el movimiento trascienda seguramente encontrará que bandas como R.E.M. o Ween han hecho lo suyo en la década de los ochenta y que una llamada The American Analog Set ha hecho lo mismo a partir de 1994, aunque de una forma más marginal.

Han pasado ya 13 años desde que Andrew Kenny (vocalista, guitarrista, líder y compositor) fundó al cuarteto tejano y no olvida su objetivo: “Sólo me interesa hacer música, desde un principio fue así… No creo que a lo largo de estos años nuestro objetivo haya cambiado en absoluto. Hemos visto a muchas bandas ir y venir en este tiempo y nosotros nos hemos mantenido al margen no a propósito, sino porque nuestro acercamiento con la gente que nos escucha es distinto.”

Seis álbumes, dos EPs y una compilación con AmAnSet, además de colaboraciones con Beth Gibbard (Death Cab for Cutie) y un segundo acoplado de canciones en vivo no mantiene quieto el espíritu de Kenny y algunos de los consejos que da a los músicos jóvenes son: “No escribir una canción hasta terminarla, sino dejarla para después y retomarla cuando sea algo natural; no practicar una canción hasta morir, ya que siempre hay que dejar espacio para la improvisación y no grabar una canción hasta que quede perfecta… nada humano es perfecto.”

“Creo que nuestra música es una combinación de estilos. Todos somos del sur y actualmente yo vivo en Brooklyn, no creo que seamos de algún género en particular. No me gusta leer lo que reseñan de nosotros en los medios porque si es algo malo, me enojo demasiado y si es bueno, no me la creo. Prefiero no hacer caso y preocuparme más por mi actuación en vivo”

Este sábado. Andrew Kenny se presentará en México en una noche que promete mucho al compartir el escenario con los canadienses de The Dears, banda a la que Kenny admira y respeta: “Me gusta mucho la música de los Dears, me parece muy atmosférica y mientras te puede llevar a paisajes sonoros muy reconfortantes en un minuto, al siguiente puedes estar rodeado de oscuridad total. Su música es maravillosa.”

La entrevista con Andrew Kenny fue publicada en el mes de mayo del 2007 en La Pared, en la sección de Espectáculos de El Universal.

Especial Kaiser Chiefs

48 días, 48 noches
Ricky y Simon, de Kaiser Chiefs, relatan cómo armaron su nuevo material: en el campo, entre pubs y recordando la experiencia más sexual de su vida

Traducción: Anna Stephens

Los británicos Kaiser Chiefs están de regreso. Cuatro años ha invertido el quinteto de Leeds en apropiarse de un sitio en la escena internacional indie y dejar atrás su expediente como la modesta agrupación de garage rock Ruston Parva. Tras los casi dos millones de copias vendidas en el mundo de "Employment", su debut, Ricky Wilson (vocalista) y Simon Rix (bajo)comparten la bitácora de gestación de su segundo disco, "Yours truly, angry mob".
Proceso de creación y grabación.

Ricky Wilson (RW): El proceso de grabación fue de seis semanas aproximadamente, en HookEnd Studios.
Simon Rix (SR): Yo diría que fueron exactamente 48 días con sus 48 noches.
RW: Eso suena mejor. Comenzamos a escribir las canciones para el disco en enero, terminamos en agosto y lo grabamos en septiembre. Después vino el proceso de masterización y mezcla...
SR: ... y ahora esta disponible para que sus oídos lo disfruten.

RW: Estuvimos ocho meses, desde enero hasta septiembre del año pasado escribiendo canciones en Old Chappel, que es un estudio en Leeds.
SR: Pero no sólo hacíamos eso... No estábamos todo el tiempo ahí, escribiendo canciones.
RW: ¡Cierto! Fue fácil porque componíamos sólo durante cuatro horas, tres veces a la semana. Después salimos un tiempo de gira.
SR: Hicimos giras por Europa y Japón, tocamos en algunos festivales también. Tenemos que recordar que somos una banda en vivo, así que siempre que podemos ponemos a prueba nuestras composiciones con distintas personas y audiencias. Con este disco, en realidad nunca pusimos las canciones a prueba, ¡porque sabemos que somos muy buenos componiendo! En realidad cuando las tocamos para nosotros mismos, no sentimos necesidad alguna de cambiarle algo a las canciones, pero es bueno observar la reacción de la gente. Fue una buena señal que después de tocar en vivo por primera vez "We Are the Angry Mob", las personas seguían cantándola.

RW: No somos la clase de banda que entra a un estudio de grabación sin saber qué se va a hacer. Queríamos que el álbum fuese lo más completo posible, antes de entrar a grabar. No somos de los que arriesga días y días de estudio, porque cuesta mucho dinero pagarlo. Así que a finales de septiembre teníamos alrededor de 20 canciones, la compañía disquera nos dio un buen estudio de grabación con excelentes ingenieros para que el álbum fuese lo mejor posible. De nuevo tuvimos a Stephen Street como productor. Él estuvo con nosotros en el primer disco y en aquella ocasión no tuvimos la oportunidad de conocernos tan bien como lo hicimos con este segundo disco, en el que fuimos más flexibles.
El estudio está en el campo, prácticamente en medio de la nada a excepción de un par de pubs alrededor...
SR: A los cuales acudíamos religiosamente una vez a la semana.
RW: Cada jueves por la noche era jueves de pub, sólo los jueves porque el resto de la semana estábamos ocupados haciendo el disco. Fue algo muy íntimo, teníamos un cuarto en el cual nos reuníamos para tomar el té a las 7, un refrigerio a la 1:30 y fue realmente como regresar a la escuela. Grabamos como siempre lo hacemos, todos juntos en un cuarto tocando, casi como si fuera en vivo. Fue muy relajante, ¿o no Simon?
SR: Sí, no tuvimos que hacer muchas tomas de las canciones.

Evolución en el segundo álbum
RW: Después de la grabación del primer álbum salimos de gira. Dimos la vuelta al mundo un par de veces, la pasamos bien. Comenzamos a tocar en foros más grandes, cada vez para más personas. Abrimos algunos conciertos para bandas como U2 y los Foo Fighters, tocamos en algunos festivales, etc. Queríamos escucharnos "mas grandes", de una manera más impresionante y crecimos para llenar el tamaño de los lugares en los que nos íbamos presentando.
Es más divertido tocar más fuerte y alto. Ahora que tocamos en vivo las canciones de nuestra primera producción, suena más potente y eso fue lo que queríamos lograr con "Yours Truly...". Nos hemos desarrollado como una banda más fuerte. Ahora cada uno de nosotros tenemos nuestros propios instrumentos... recuerdo que para grabar "Employment" pedimos prestado un amplificador, ahora tenemos alrededor de veinte en un solo cuarto. Todo esto influyó para el segundo disco.

¿Quién es 'Ruby'?
RW: La primera canción del álbum es "Ruby", que es también nuestro primer sencillo. Mucha gente nos pregunta quién es esta chica Ruby... Ruby es nadie, es tan solo el nombre de una chica. Creo que en muchas de nuestras canciones hemos sido muy inteligentes y en esta ocasión nos merecíamos algo sin sentido.
SR: ¡¿Entonces quién es nadie?! ¿¡Quién es Jude?! ¿¡Quién es Jude en aquella famosa canción?!
RW: Tal vez exista un poco de Ruby en todos nosotros... tal vez haya un poco de Ruby en ti.Muchas personas también nos preguntan acerca de la canción y de si es en realidad nuestra primera canción de amor, aunque no es de amor en sí... sino de alguien a quien ves y te gusta. Es ese lapso de tiempo entre que observas a la persona y averiguas su nombre, un momento siempre excitante. ¡Al menos para mi! Es como aquel momento en el que alguien a quien no conoces pero que te atrae, te llama por tu nombre. Recuerdo cuando iba en la escuela había una niña que me gustaba mucho, se llama Erica. En una ocasión estaba en el comedor tomando café y escuche su voz que me decía: ¿¡Ricky, me pasas el azúcar!? Esa ha sido la experiencia mas sexual de mi vida. Así que eso es Ruby y es una de las últimas canciones que escribimos para el disco.
SR: Creo que fue Nick (Hodgson, baterista) quien entró al estudio cantando "Ruby, Ruby, Ruby, Ruby..." con el beat del coro. La canción fue escrita en un piano en York, después vino el riff de guitarra... y no estoy seguro de la letra en sí.
RW: Fue muy difícil para mí escribir la letra de la canción, ya que el título es un nombre femenino, no quise que fuese una canción tonta y sentimentalista en el mal sentido...
SR: Recuerdo muy bien que es una de las canciones que seguías componiendo mientras ya la estábamos grabando...
RW: Si, en verdad fue difícil. Fue una de las últimas canciones que hicimos para el álbum y fue escrita en el mismo piano en el que compusimos "I Predict A Riot" así que esperemos que tenga la misma suerte. Así que Ruby no viene de ninguna otra parte, sino de la cabeza de Nick.

El especial de los Kaiser Chiefs fue publicada en La Pared, en la sección de Espectáculos de El Universal en el mes de abril del 2007.

Entrevista Travis

Travis
Por Anna Stephens

Cuando uno se refiere al sello característico de una banda, las interpretaciones pueden ser positivas o negativas. Si el grupo en cuestión ha sabido desarrollar un estilo e innovarlo para convertirlo en su sello peculiar, esto significa que más allá de las tendencias musicales entre las que se puedan encontrar no afectará de manera negativa sus composiciones.

Si bien Travis se ha especializado en melodías delicadas y letras en su mayoría desconsoladoras -que tal vez rayen en lo cursi para los tiempos musicales actuales-, es un cuarteto que durante los últimos tres años de receso se dedicó a escuchar con atención lo que la industria indie ha tenido que ofrecer.

“Trabajamos muy duro en la gira de promoción de “12 Memories”, así que decidimos regresar a casa y tomar un receso... extrañábamos mucho a nuestras familias... Algunos de nuestros fans se preocuparon porque fue un receso largo y había rumores de una separación, pero no fue así: seguíamos reuniéndonos, pasando el rato en casa de uno y otro, divirtiéndonos. Pareciera mucho tiempo por todo lo que sucedió en este periodo de tiempo en la música, pero para nosotros no fue así. Eventualmente volvimos a componer por el placer de hacerlo, no por una cuestión de negocios o de la exigencia de la industria y estamos muy orgullosos con el resultado: “The Boy With No Name”.”

Al cuestionarle a Andy respecto al sello característico de la banda y su posible repetición en “Teh Boy With No Name”, responde: “¡Claro que tenemos nuestro propio estilo! Sé que muchas personas esperaban a que Travis respondiera pronto y con un disco totalmente diferente, teniendo en cuenta lo que ha pasado en estos tres años... Siempre hemos experimentado con diferentes instrumentos a lo largo de nuestras producciones, en el caso de “The Boy With No Name” decidimos tomarnos nuestro tiempo y hacerlo a nuestro modo, escuchando lo que sucedía con bandas como los Arctic Monkeys pero volviendo a lo que nos gusta y nos sentimos cómodos haciendo.”

“Creo que mi banda favorita por el momento son los Arctic Monkeys. Es impresionante cómo lograron poner totalmente de cabeza a la industria y las grandes disqueras, con una música tan sencilla y divertida. Son un grupo de chicos a lo que será interesante ver su evolución disco tras disco.”

Los integrantes de Travis llevan más de diez años juntos y la evolución de la que Andy habla respecto a los Arctic Monkeys, es algo que ellos viven actualmente.

“Ahora que casi todos tenemos familia e hijos, es diferente la percepción que tienes de las cosas. Ya no sólo ves por ti mismo sino por tus hijos y eso en definitiva se refleja en lo que haces. En nuestro caso, nos hemos vuelto más responsables... ¡Jajaja! ¡Ahora somos más aburridos que antes!. Líricamente seguimos componiendo de todo, canciones tristes, agridulces, oscuras, etc. Mi canción favorita del nuevo disco es “My Eyes”, la disfruto mucho al tocarla en vivo”

El 17 de mayo saldrá a la venta “The Boy With No Name”, producción con la cual Travis se enfrenta a las nuevas bandas del boom indie anglosajón.

“Es muy emocinante volver a tomar una guitarra arriba de un escenario. Me siento como si fuera la primera vez que lo hago y es precisamente lo que queríamos recuperar en la etapa en la que nos ausentamos. Nuestra última gira la cerramos en México y fue como estar en casa. Estamos muy ansiosos por regresar”.

Al preguntarle su opinión respecto a si volverán a tocar el cover a Britney Speras “Baby One More Time”, Andy suelta una carcajada y comenta: “No creo que lo volvamos a hacer, la última vez que tocamos esa canción fue precisamente en México. (Risas) Muy pocos lo creían, pero el pop también te puede llevar a lugares muy oscuros...”

La entrevista con Andy se publicó en el mes de abril en La Pared, en la sección de Espectáculos de El Universal

Entrevista +44

Entrevista Mark Hoppus
Por Anna Stephens

La desintegración de una banda es un momento crucial para valorar a fondo la aportación y trascendencia musical que produjeron. La desaparición de Blink-182 en el 2005 fue para muchos puristas del punk un alivio, pero para los seguidores de la ola del pop-punk californiano fue una profunda pérdida. Mientras que miles de adolescentes alrededor del mundo se volcaban hacia el emo, Mark Hoppus y Travis Barker permanecían en Los Ángeles componiendo.

“Después de la desintegración de Blink, vino una etapa de mucho enojo e inestabilidad, pero Travis y yo nunca consideramos dejar de hacer música. De hecho, continuamos componiendo aquí en mi casa en Los Ángeles y al mismo tiempo tratábamos de entender qué había salido mal con Blink”.

Desde su hogar, Mark Hoppus responde amablemente a la prensa internacional deseosa de averiguar un poco más acerca de la separación del trío y su nueva banda. +44 está integrada por Mark Hoppus, Travis Barker, Craig Fairbaugh y Shane Gallagher y toma su nombre del código de marcación internacional al Reino Unido. ‘When Your Heart Stops Beating’ es su primera producción, la cual salió a la venta a finales del 2006 y que ha sido calificada como el álbum que hubiera consagrado a Blilnk-182 si siguieran juntos.

“Estoy muy orgulloso de lo que logramos con Blink-182. Es una etapa de mi vida de la cual siempre me acordaré con mucho cariño. Esperamos las comparaciones que +44 pueda tener con Blink-182, es algo obvio y un parámetro para saber hacia donde llevar este proyecto. Es un halago escuchar esas comparaciones porque no me avergüenzo de esa etapa y es un ciclo que ya se cerró.”

Para muchos, el problema de Blink-182 residía en su eterno espíritu adolescente. Las canciones, videos e imagen del trío generalmente reflejaban el espíritu white-trash de un spring-breaker fanático de Jackass, que para la edad de Hoppus y compañía, muchos melómanos y críticos encontraban bastante cuestionable.

“No creo que +44 mantenga la misma línea adolescente que tenía Blink… No sé, tal vez mi subconsciente me traiciona y continúo componiendo sobre los mismos temas. Musicalmente, creo que Travis y yo dimos un paso adelante al apoyarnos más en la tecnología. En un principio las composiciones y la banda en sí iban a ser electrónicas, pero continuaron tomando forma y evolucionando en canciones con un apoyo en cajas de ritmo y sintetizadores. En vivo la banda tiene mucha fuerza gracias a estos nuevos elementos que integramos.”

“La reacción de los fans de Blink ha sido buena. Es normal que no a todos ellos les guste lo que hacemos, pero creo que en general la respuesta ha sido positiva. No somos pretenciosos y nos mantenemos cercanos a ellos, eso es algo que perdí durante la última etapa de Blink. Ahora recuperé las ganas de hacer música y de tocar tan solo por el placer de hacerlo.”

A pesar de que la aportación de Blink-182 es cuestionable, el hecho de que dos de sus ex integrantes se esfuercen por darle la vuelta al fondo y forma de hacer música, es reflejo de que valió la pena esa atormentada adolescencia (musical).

La entrevista con Mark Hoppus fue publicada en La Pared del periódico El Universal, el sábado 24 de marzo de 2007.

Entrevista Modest Mouse

Entrevista con Isaac Brock
Por Anna Stephens

De acuerdo con la psicología del sueño, el mar simboliza el inconsciente colectivo con sus instintos y recuerdos. Su estado -ya sea agitado o en calma-, indica cómo se encuentra el inconsciente mismo. Hundirse en él significa resignación, pero intentar salir a la superficie habla del deseo de luchar. “No sé de dónde proviene mi obsesión por el mar… realmente nunca me he preocupado por detenerme analizar ese tipo de cosas y no me interesa hacerlo ahora.” Son las palabras de Isaac Brock, líder y vocalista de Modest Mouse.

Las referencias marítimas han sido una constante a lo largo de la carrera de este grupo originario de Issaquah, Washington, que el próximo 20 de marzo estrenarán su quinto álbum We Were Dead Before The Ship Even Sank, del cual se desprende el primer sencillo ‘Dashboard’, cuyo video trata también de una reunión entre marineros. “No quiero hablar de dónde proviene el título del disco ni a qué se refiere.”

Dennis Herring fue de nueva cuenta elegido para producir este álbum. “Trabajamos con Dennis Herring para Good News for People Who Love Bad News y a pesar de que el proceso en este disco fue para mi muy difícil y desesperante, ya que me obligaba a hacer una toma tras otra de las canciones, decidimos que para We Were Dead… sería el productor ideal. Tiene una forma muy organizada y exacta de trabajar y entiende hacia dónde queremos llevar las canciones.”

Modest Mouse se integró en 1993 como un cuarteto, pero para este 2007 tienen dentro de sus filas a Joe Plummer y Johnny Marr (ex guitarrista de The Smiths), integrantes que tal vez pudieran cambiar la dinámica de trabajo de Brock como único compositor del grupo. “La llegada de Marr se dio a partir de que lo llamé para colaborar con nosotros, pero de inmediato nos acoplamos y decidimos mantenerlo como un integrante del grupo. No creo que haya afectado mucho en mi manera de componer. En este aspecto Modest Mouse siempre ha sido una banda democrática, en donde todos tenemos algo qué decir y qué aportar.”

Tanto que ‘Dashboard’ muestra a un Modest Mouse mucho más bailable y positivamente rítmico, a pesar de que la letra mantenga ese sello sarcástico y ambiguo que siempre los ha caracterizado. “‘Dashboard’ es una canción que a algunos les ha parecido diferente a lo que hemos hecho antes porque estuvimos experimentando todos con distintos instrumentos, así que es algo progresivamente natural y que define al disco como una colección de instantes experimentales.”

La experimentación de Isaac Brock va más allá de la música, lo lleva incluso hasta la cocina y la combina con su pasión por el mar. “Me gusta mucho cocinar, sobretodo pescados y mariscos. No me gusta seguir las recetas clásicas de comida, experimento con lo que tengo a la mano. Recuerdo que para el 14 de febrero mi novia y yo nos retamos a prepararnos un platillo en 15 minutos con lo que encontráramos en nuestra alacena. Fue divertido. Me encanta la comida mexicana, al menos una vez por semana como algún platillo mexicano.”

Sin embargo, a nuestro país le quedó un mal sabor de boca años atrás, con la cancelación del concierto que Modest Mouse iba a dar en el Circo Volador. “La cancelación se debió a que nuestro manager no confió mucho en el manejo del dinero del promotor en México. En esta ocasión tocaremos con los Red Hot Chili Peppers o al menos eso me acaban de decir. Ellos hace algunos años nos propusieron abrirles una gira, pero decidimos no hacerlo por su música y el público tan distinto que tenemos.”

Público que se verá en la triste realidad de disfrutar tan solo por 45 minutos (y si hay suerte quince más) de la música de Modest Mouse, en un foro inapropiado para ellos y compartiendo escenario con bandas tan disímiles entre sí como lo son Porter, Red Hot Chili Peppers. Esto sucederá hoy en el Foro Sol, a partir de las 18 hrs, en un concierto que Ticketmaster ha clasificado como de Rock/Metal.

La entrevista con Isaac Brock fue publicada en La Pared del periódico El Universal el sábado 10 de marzo de 2007.

Baby Shambles

Baby Shambles
The Blinding E.P.
EMI
2006

¿Auténtico poeta desdichado o héroe de la prensa amarillista? Cuestionamiento que muchos aún no resuelven respecto a Pete Doherty. Desde sus días con The Libertines, era foco de atención por sus escándalos, mas no por su música. Con la eventual desintegración del cuarteto, Doherty fundó Baby Shambles y editaron “Down In Albion” en el 2006. Un primer álbum caótico y de ideas tan dispersas que sólo logró desviar la atención hacia Dirty Pretty Things, la nueva banda de su excompañero libertino, Carl Barat. A finales del año pasado Baby Shambles editó “The Blinding E.P.”. En tan sólo cinco canciones, Doherty demuestra que no depende más del factor Barat para seguir adelante. Ideas más claras, buena ejecución y la integración de trompetas, hacen que la música de los Baby Shambles deje de ser blanca o negra y empiece al fin a pintarse de distintos matices. Con “The Blinding E.P.”, Doherty se hace de puntos extras como poeta desdichado, aunque sigue ganando por dos rayitas en su calidad de héroe de la prensa amarillista.

Anna Stephens

La reseña del EP de los Baby Shambles fue publicada en la revista Círculo Mixup en su edición de febrero de 2007.

OK Go

OK Go
Oh No
EMI
2006

Sí, este es el álbum de la banda del video de las caminadoras. Se llaman Ok Go, son cuatro y se integraron en 1998 en la ciudad de Chicago, Illinois. “Oh No” es su segunda producción y la canción del video de las caminadoras se llama ‘Here It Goes Again’. Además de esta canción, hay doce más que recuerdan en momentos a Franz Ferdinand, Spoon y Weezer. De ‘Invincible’ a la quinta canción ‘Oh Lately It’s So Quiet’, el disco es divertido y aunque no reinventan el rockpop, sí entretienen. En adelante, se pierde la atención al mismo, por volverse repetitivo e inadvertido a excepción de ‘’Television, television’ y ‘The House Wins’. “Oh No” se editó originalmente en el 2005, pero esta nueva versión incluye un DVD con material inédito y sí... el video de las caminadoras.

Anna Stephens

La reseña del disco de OK Go fue publicada en la revista Círculo Mixup en la edición de febrero de 2007.

The Magic Numbers

The Magic Numbers versión otoño-invierno

Por Anna Stephens

En el verano del 2005 la canción indie por antonomasia fue ‘Forever Lost’ de The Magic Numbers y su video animado que mostraba al grupo pasear felices por un pequeño pueblo inglés fue uno de los más entrañables. El cuarteto integrado por Michele y Romeo Stodart y, Angela y Sean Gannon se hicieron de miles de seguidores alrededor del mundo gracias al homónimo primer álbum que significó un respiro a la escena indie británica, en ese entonces dictatorialmente gobernada por los escándalos de The Libertines. Una buena dosis de rock amable y meloso con un toque espiritual de los sesenta hizo de ‘The Magic Numbers’ un disco debut comercialmente exitoso.

Además de dedicar un par de semanas a defender la condición de los gorditos ante los medios británicos después del escándalo ocurrido en Top of the Pops, The Magic Numbers hicieron una extensa gira por el Reino Unido y Europa, a la par de conocer a Brian Wilson, sus ídolos The Flaming Lips y sus excompañeros de barba los Kings Of Leon, entre otros. Estas enriquecedoras experiencias sirvieron para la composición de “Those The Brokes”.

‘This Is A Song’, ‘Carl’s Song’, ‘Runnin’ Out’ y ‘Take A Chance’ son las canciones más cercanas a su primer álbum y por lo mismo las que contienen más fuerza y un ritmo más alegre al resto de las composiciones que son en general tristes, opacas y frías. La temática de la producción radica en los triángulos amorosos, el amor no correspondido y la soledad. Además de incluir violines, chelos y violas en esta ocasión, Angela, Romeo y Michele integran un instrumento tan personal como único a sus canciones: sus voces. ‘Slow Down (The Way It Goes)’, ‘Undecided’ y ‘Most of the Time’ son prueba de lo anterior. ‘Take Me Or Leave Me’ es interpretada por Michele Stodart y es la única que no incluye las voces del resto del grupo. Las experimentaciones vocales de los Magic Numbers dan como resultado nueve canciones de una duración que va de los cuatro a los siete minutos; tan sólo tres tracks se mantienen por debajo de los cuatro minutos. Las composiciones más destacadas son ‘Let Somebody In’ y ‘Runnin’ Out’, por no mostrar exceso alguno de arreglos en las cuerdas o saturación de voces.

Si “The Magic Numbers” fue un álbum que musicalmente podría definirse -en términos de moda- como para la colección primavera-verano,”Those The Brokes” define de manera sobresaliente la del otoño-invierno. Es evidente que los Magic Numbers han decidido averiguar la suerte que trae la otra cara de la moneda, arriesgándose a entregar un álbum que bajo estos términos lánguidos resulta bien realizado, pero que no rebasa a la primera entrega. ¿A poco no es mejor disfrutar a unas felices caricaturas del cuarteto pasearse por un pequeño pueblo inglés, que verlos en carne y hueso encerrados en un manicomio jugando cartas?

-Romeo Stodart nación en Trinidad y Tobago.

-“Carl’s Song” fue compuesta después de que el fallecido Carl Wilson (Beach Boys) se la cantara a Romeo Stodart durante uno de sus sueños.

La reseña del álbum de los Magic Numbers fue publicada en la revista Círculo Mixup del mes de febrero de 2007.

The Smiths

The Smiths
Por Anna Stephens

Para Alex

Manchester es una enorme ciudad industrial al norte de Inglaterra. A pesar de la tradición y riqueza musical que la ha caracterizado, muchos de sus habitantes crecen en medio de un ambiente de tedio y expectativas bajas. Estudian y esperan tener un trabajo promedio que los ayude a vivir sin preocupaciones, así muchos jóvenes dedican sus días a ver partidos de fútbol por televisión, beber cerveza y enrolarse en pandillas de hooligans.

En la década de los ochenta Joe Moss, entonces de cuarenta años, era dueño de una cadena de tiendas de ropa en Manchester llamada “Crazy Face”. Uno de sus locales se encontraba a lado de “X Clothes”, otra tienda famosa que se distinguía por su ropa poco común y un tanto estrafalaria, en donde trabajaba John Maher.

John Martin Maher (Octubre 31, 1963), hijo de migrantes irlandeses, cambió por primera vez su nombre a Johnny para distinguirse de su padre. Además de ser empleado de la tienda contigua a la de Joe Moss, Maher había probado suerte como guitarrista entre varias bandas de poco éxito, una ellas White Dice, esto poco antes de tocar la puerta del 384 en Kings Road, en Stretford, Manchester.

Manchester vio crecer a un adolescente tímido, apasionado por los textos de Oscar Wilde, obsesionado con James Dean y liberado a través del punk. Steven Patrick Morrissey (Mayo 22, 1959) nació en el Park Hospital en Davyhulme, Inglaterra. Su madre era bibliotecaria y su padre era portero. Morrissey pasó la primera etapa de su vida viviendo en 384 Kings Road, a lado de sus padres y su hermana Jackie. Una adolescencia poco entrañable para Steven.

Steven Patrick Morrissey comenzó a escribir canciones a los seis años de edad y las composiciones con referencias al suicidio que años después fueron objeto de controversia para el grupo, provienen de la romántica idea del niño por cometer dicho acto a la edad de ocho años, edad a partir de la cual, su vida se había convertido en un infierno, como él mismo ha declarado. El suicidio le parecía un acto perfecto, harmonioso y romántico, tal vez por la ausencia de felicidad en su hogar, producto de la frustración de la vida de los padres de Steven y Jackie. Esta falta de afecto de la familia, terminó con el divorcio de los padres de Morrossey, quien vivió el proceso en plena adolescencia. Antes de convertirse en cantante, Steven trabajaba como intendente de una tienda, portero y vendedor en una tienda de discos. Su grupo favorito entonces fue The New York Dolls, al punto de convertirse en presidente del club de fans en los setenta (a los 18 años) e incluirlos en su biografía de 24 páginas: 11 de textos con referencias a sus héroes Wilde, Candy Darling y Paul Morrissey, el resto de fotos y reportajes sobre los Dolls. Escrito que vendió tres mil copias. Años después Morrissey volvería a probar suerte al publicar “James Dean Is Not Dead”, que vendería poco más de tres mil copias. Musicalmente se integró como vocalista a The Nosebleeds, una banda de punk. Acto fallido para Steven, debido a su timbre de voz y actitud en el escenario.

“Tuve la adolescencia más deprimente en la historia de la humanidad y eso es lo más trágico que puede haber. Parece que estuve encerrado durante años y creo que no tuve una adolescencia como se le conoce comúnmente. Así que eso me dio la fuerza y la determinación suficiente para de una u otra forma pasar a los anales de la historia”. - Morrissey

Johnny Maher buscaba un letrista y sabía que lo encontraría en Morrissey, quien ya era conocido en el circuito underground de Manchester. Morrissey era entonces autor de varias reseñas para el Record Mirror, bajo el seudónimo de Steven Whitehead. Dos semanas después de que Maher tocara a la puerta de Steven, en la primavera de 1982, Manchester sería de nuevo cuna de una de las bandas más importantes de la historia del pop: The Smiths.

"Manchester está de moda, así que por el momento no es necesario mudarse a Londres. Lo que realmente me molesta es toda esta cuestión de Joy Division, es algo muy paternalista sólo por el hecho de ser una banda de Manchester. La música aquí (en Manchester), es muy desechable, aunque tiene futuro, se dirige al lugar incorrecto. Las bandas tienen que ser más positivas y dejar de limitarse a sí mismas." - Marr

En una semana, Morrissey y Maher tenían listas dos canciones, un ritmo de composición que se convertiría en la constante del grupo durante sus inicios. La intención originalmente era la de escribir canciones y venderlas, pero después se dieron cuenta de que sólo ellos podrían interpretarlas como se debía.

Para septiembre, Steven y Johhny habían compuesto “I Want A Boy”, “Don’t Blow Your Own Thorn”, “The Hand That Rocks The Cradle” y “Suffer Little Children”. Pero también se habían definido como The Smiths. El origen del nombre encierra cierto misterio e incluye varias teorías:

-The Smiths se nombraron así como una reacción en contra de todas las bandas que usaban un nombre complicado para darle el poder que le hacía falta a la música que componían.

-Un día Johnny y Morrissey pasaban el rato en casa del segundo, cuando Morrissey comenzó a tallar “The Smiths” en un pedazo de cartulina. Su intención no era la de adoptar ese nombre, pero a Johnny le encantó. La idea de la simpleza del nombre era lo que más llamaba su atención, ya que es el apellido más común entre los ingleses y da la sensación de ser inofensivo.

-Un día Morrissey le entregó a Maher un papel en donde tenía escrito: "The Smiths Family," "The Smiths," y "Smithdom." El vocalista le pidió a Maher escoger uno.

-El nombre The Smiths se basa en la historia de David Smith, denunciante a la policía de Manchester de la identidad de los asesinos de la pradera o Moors Murders. Estos asesinatos fueron cometidos por Tan Brady y Myra Hindley, entre noviembre de 1963 y octubre de 1965. Las víctimas fueron Lesley Anne Downey (de 10 años de edad), John Kilbride (de 12 años), y Edward Evans (de 17). Hindley y Brady los asesinaron y enterraron sus cuerpos en los límites de la ciudad, en un terreno silvestre para después continuar con sus vidas diarias. Estos fueron los más horrendos y aterradores asesinatos de la historia de Manchester y provocó que la ciudad se paralizara debido al impacto y el temor. Lesley Ann Downey fue secuestrada, y asesinada después de haber sido amordazada, desnudada y fotografiada. Edward Evans fue estrangulado y golpeado hasta morir de catorce contusiones provocadas por una hacha; fue encontrado después en la habitación de Myra Hindley, envuelto en una sábana. Después de que la información que David Smith (quien resultara cuñado de Hindley), proporcionó a la policía, diera con el paradero de los asesinos, Ian Brady le gritaría a Smith mientras lo arrestaban: “Voy a regresar por ti Smith!”.

"El nombre del grupo no significa nada, simplemente cumple con su propósito. Creo que es muy importante no ser definido dentro de categoría alguna. Una vez que te defines, te limitas y eso musicalmente me aterra. " - Morrissey

El dueto tuvo músicos invitados antes de decidirse por reclutar en definitiva a amigos cercanos para completar la banda y convertirse en un cuarteto. Seis meses después, The Smiths contaba con el bajista Andy Rourke (amigo de Johnny de la escuela) y Mike Joyce en la batería. Joe Moss sería el manager del grupo del otoño del 82 a finales del 83.

Steven Patrick Morrissey comenzó a utilizar únicamente su segundo apellido, justo cuando los Smiths se integraban como cuarteto, según sus propias palabras, porque la banda significaba un nuevo inicio en su vida y quería olvidarse del viejo y tímido Steven de antes. Johnny Martin Marr, volvió a cambiar su nombre por Johnny Marr, para distinguirse del baterista de los Buzzcocks, John Maher.

Los Smiths destacaban por ser diferentes. Su primera presentación en vivo fue en The Ritz, en su ciudad natal, el 4 de octubre de 1982, como teloneros de una banda de jazz llamada Blue Rondo A La Turk. Durante esa presentación tocaron “Suffer Little Children”, “The Hand That Rocks The Cradle” y un cover de “I Want A Boyfriend For My Birthday”. En vivo, The Smiths en lugar de utilizar sintetizadores, regresaron a lo harmoniosamente básico que una guitarra puede ser. En vez de vestir a la moda, utilizaban la ropa más común y casual posible. Pero sobretodo, en vez de reinterpretar el aburrimiento industrial de su ciudad, los Smiths utilizaban muchas flores, colores y sentimientos naturales del humano para expresarse.

A pesar de que sus conciertos eran esporádicos, la prensa inglesa los notó y un año después de su integración el cuarteto firmaba un contrato con el sello independiente londinense: Rough Trade. Para entonces, el grupo ya había rechazado un contrato discográfico con Factory Records (sello independiente de Manchester). Durante la séptima presentación de The Smiths, en la University of London Union, un grupo de ejecutivos de Rough Trade Records había visto tocar a la banda en vivo y les ofrecieron un contrato por el lanzamiento de un sencillo: "Hand In Glove". Rough Trade lanzaría en mayo de 1983 el primer sencillo de los Smiths que contenía “Hand in Glove” con “Handsome Devil” como lado B. "Hand in Glove" se convirtió en una sensación de la escena underground del Reino Unido, alcanzando los primeros lugares de popularidad de las listas independientes y siendo calificada por los críticos como la canción de amor más exquisita de años recientes. La continua exposición de los Smiths en el programa de sesiones de John Peel, sirvió también para el culto al cuarteto.

The Smiths lanzaron “This Charming Man”, que en ese entonces se convirtió en el sencillo más vendido para Rough Trade. Cuando lanzaron este segundo sencillo, que por cierto fue compuesto la misma noche en que se hicieron “Pretty Girls Make Graves” y “Still Ill” en octubre de 1983, The Smiths habían comenzado a ser objeto de controversia y escándalo por "Reel Around The Fountain," y "Handsome Devil" (ambas canciones grabadas en sesión para la BBC), lo que se interpretaba como formas de promoción del abuso a menores. El 25 de agosto de 1983, el periódico sensacionalista The Sun, publicó un escrito de Nick Ferrari, quien acusaba a la BBC por programar “Handsome Devil”, en la que se contenían claras referencias sexuales y se promovía el abuso infantil. Sin importar el hecho de que Ferrari confundía la letra de “Handsome...” con “Reel...”, esto señaló a Morrissey como una persona trastornada.

En febrero de 1984, The Smiths lanzaron su esperado álbum debut "The Smiths". La producción tuvo una buena recepción en cuanto a ventas y alcanzó el número dos de los listados de popularidad. El álbum incluye canciones como “Still Ill” y “Suffer Little Children”, que en realidad se refiere a los Moor Murders, que causó enfado y posteriormente una estrecha amistad con los padres de las víctimas, después de que el cuarteto acordara donar parte de las regalías a la causa.

Un par de meses más tarde, el grupo invitó a la veterana estrella de pop de los sesenta, Sandie Shaw, a cantar algunas canciones de ellos como "Hand In Glove", que alcanzó el lugar número 27, "Jeane" y "I Don't Owe You Anything".

Ese año, el grupo cumplía con la gira de rigor que los llevó a cubrir casi todos los circuitos universitarios y tocar en lugares como Ámsterdam, con Nick Cave como su telonero. A pesar del altercado con medios conservadores ingleses, los elogios de la prensa especializada no se hicieron esperar, Morrissey y Marr eran señalados como el mejor dueto musical desde Lennon-McCartney.

A la par de la gira, se lanzaron dos sencillos no incluidos en el LP: “Heaven Knows I’m Miserable Now” (título parodia del programa de Shaw de los sesenta, titulado: “Heaven Knows I’m Missing Him Know”) y “William, It’s Really Nothing”, canción que Moz (como le llamaría la revista NME) escribió acerca de Billy Mackenzie, vocalista de The Associates; aunque también se dice que esta basada en la película “Billy Liar”.

Antes de terminar el año, Morrissey (hijo de migrantes irlandeses) volvía a causar controversia debido a que el vocalista lamentó profundamente que Thatcher resultara ilesa a un atentado contra el Grand Hotel de Brighton que el Ejército Republicano Irlandés (IRA, por su siglas en inglés) había causado el 12 de octubre y en el cual murieron tres personas, además de herir a treinta. Sin embargo, dijo también estar feliz porque el IRA había escogido mejor sus objetivos. A esto se sumó la respuesta de Morrissey respecto a la responsabilidad de sus declaraciones y seriedad con la que algunos fanáticos podrían tomar como mandato asesinar a la primer ministra: “Me casaría con la persona que hiciera eso, por supuesto.”, contestó Moz. Por si no fuera poco, Morrissey fue una de las pocas voces que se alzó en contra del tan publicitado Live Aid y Band Aid, declarando que el proyecto de “el nauseabundo de Bob Geldof esta diseñado para que la clase media y los desempleados paguen con sus ahorros un problema provocado y mantenido por el poder político”.

The Smiths terminaron el año editando “Hatful of Hollow”, una recopilación de sencillos, lados B y versiones de canciones grabadas en vivo y durante las sesiones con John Peel. “Hatful Of Hollow” fue el álbum que acercó mas al grupo con su público: una colección de canciones que los fanáticos habían grabado en casete, precios bajos de entradas para sus conciertos, rechazar presentaciones en festivales e incluso la utilización de un aparato para la sordera por parte de Morrissey durante una presentación en Top of the Pops, en respuesta a una carta de una fanática con problemas de oído. Esto contribuyó al magnetismo hacia el vocalista que al contrario de otros personajes de la música británica, mantenía una vida alejada de las drogas y el alcohol y dedicada al estudio y admiración de la literatura y tradiciones británicas, a excepción de su rechazo a la realeza.

Para la grabación de la nueva producción, el grupo se trasladó a Liverpool arrastrando ciertos problemas de comunicación y la adicción de Andy Rourke a las drogas. Aunque a la larga, esto traería más conflictos al grupo, por el momento Marr se comprometió a hacerse responsable del bajista.

Lanzado en febrero de 1985, el segundo álbum de estudio de los Smiths fue “Meat Is Murder”. Ésta producción era más estridente y política que su predecesor. Desde la portada del disco, una adaptación del fotograma anti-Vietnam “In the Year of the Pig” (1969), de Emile de Antonio. Todo esto y las fuertes declaraciones de Morrissey convirtieron al grupo en un cuarteto propagandístico y a “Meat is Murder” lo ubicó en el primer lugar de las listas británicas. Esta producción es angustiosa, violenta y da una sensación de negatividad y oscuridad que no se hizo presente en el álbum homónimo. Los temas en esta ocasión dibujan una atmósfera opresiva, como el caso de “(Marie’s the Name”) his latest flame”, canción llena de peleas, adolescentes con instintos suicidas, jóvenes pandilleros y pobres, pero además la esperanza del trovador en el amor. “Meat is Murder” incluye también una de las más bellas canciones de los Smiths, el contra peso del álbum. “That Joke Isn’t Funny Anymore” musicalmente es sutil y delicada pero con una fuerte carga emocional en la letra.

The Smiths lanzaron como sencillo "Shakespeare's Sister", una canción no incluida en el álbum y que aunque alcanzó el número 26 en marzo de 1985, no se considera una de las mejores composiciones de Morrissey, por su letra sin sentido y el rockabilly malogrado. “What She Said” y “Stretch Out and Wait” acompañaron éste lanzamiento. “Stretch Out and Wait” volvió a dar de qué hablar: en este caso la indefinida preferencia sexual de Morrissey. El vocalista declaró a un periodista francés que ésta canción era la más personal que había escrito para los Smiths, porque se basaba en una experiencia de su vida real. Es por eso que resultó perturbador escuchar las dudas de Moz respecto a tener hijos.

“Me rehúso a reconocer los términos “hetero”, “bi” y “homo” sexual. Absolutamente todos tenemos las mismas necesidades sexuales. La gente simplemente es sexual, los prefijos son algo etéreo. Creo que el árbol genealógico de mi familia terminará conmigo”. – Morrissey.

A pesar de que “Meat Is Murder” logró reunir a una buena base de fans, sobretodo en Estados Unidos, la prensa especializada aún esperaba la obra maestra del cuarteto. “The Queen Is Dead” llegó a las tiendas hasta junio de 1986, aunque el álbum lo terminó Marr en noviembre de 1985, después de atravesar por crisis nerviosas y contar con la ayuda de Stephen Street como ingeniero de audio.

El retraso de “The Queen Is Dead” (que originalmente iba a titularse “Margaret On The Guillotine”) fue ocasionado por una disputa legal con Rough Trade alentada debido a las declaraciones de Morrissey ante la prensa, en las que afirmaba que la disquera independiente era incapaz de atender las necesidades de la banda. Geoff Travis (directivo de Rough Trade) impuso una orden legal al cuarteto, obligándolo a cumplir con la integridad del contrato. El abogado del grupo logró reducir estas obligaciones y en el proceso de negociación el lanzamiento del álbum fue retrasado.

Dentro de la banda las cosas tampoco iban muy bien, Joyce comenzó a cuestionarse de las finanzas de la banda y trató de negociar con Morrissey y Marr lap arte que según él debía corresponderle, el dueto se negó a renegociar el acuerdo, lo que provocó cierto distanciamiento por parte de Rourke y Joyce hacia los líderes de la banda.

Días antes del lanzamiento del tercer álbum, la alineación de The Smiths había cambiado, Andy Rourke dejó la banda debido a su adicción a la heroína y el alcohol y su lugar es tomado por Craig Gannon, (ex Aztec Camera). Rourke se enteró de su despedida a través de un Post-It pegado en el parabrisas de su auto: “Andy, has abandonado a The Smiths. Adiós y buena suerte... Morrissey”. Andy Rourke se reintegró poco tiempo después, gracias al cargo de conciencia de Morrissey al enterarse que su ex compañero fue arrestado por posesión de heroína. Esto dejó a Gannon a cargo de la guitarra rítmica. El ahora quinteto grabó los sencillos “Panic” y “Ask” (con Kristy McColl en el coro), y estuvo de gira por el Reino Unido.

Considerado por la crítica como una de las obras maestras de la década, “The Queen Is Dead” alcanzó el número dos en las listas británicas y amplió aún más el culto hacia el cuarteto en Estados Unidos, llegando al Top 100. "The Queen is Dead" contiene "There is a Light That Never Goes Out", "Bigmouth Strikes Again" y "The Boy with the Thorn in His Side", además de la emotiva "I Know It's Over" y la hilarante "Some Girls are Bigger than Others". Este disco ha sido básico en la historia del pop, debido a su influencia musical tomada como base para muchas producciones posteriores y actuales. En 1989 la revista SPIN colocó al álbum como el mejor de todos los tiempos y se ha colado en las listas de las mejores producciones de todos los tiempos, además de que NME dedicó un número especial conmemorando los veinte años de su aparición y la revista Uncut hizo lo mismo al incluir un amplio reportaje escrito por el biógrafo de la banda, Simon Goddard.

El disco que representó el éxito comercial de The Smiths, ridiculizando a la familia real, lamentándose de la soledad, idealizando escapar con el amante y morir con este, historias de abandono y enfrentamientos directos con personas de la vida diaria de los Smiths, sin dejar de lado la pasión de Moz por los clásicos de la literatura y los personajes de sus películas favoritas. Musicalmente, representó el encuentro y definitivo sello de la guitarra de Marr. “The Queen Is Dead” se convirtió en un fenómeno tal que abarcó a las tribus más dispares entre sí: punks, indies, darks, roqueros, etc. todos rendían sus oídos ante el disco y lo convertían en una producción sin categoría y de amplia universalidad.

Una gran cantidad de sencillos fue lanzada:, "Ask", "Shoplifters of the World Unite" y "Sheila Take a Bow". La letra de “Panic” es una confrontación directa hacia la radio y está basada en un incidente de Marr y Moz. Mientras ambos escuchaban un reportaje de Radio 1 acerca del desastre nuclear en Chernobyl, el locutor Steve Wright decidió interrumpirlo para poner “I’m Your Man” de WHAM!. “Panic” es un reclamo de la actitud frívola de algunas estaciones de radio y sus locutores. Irónicamente ésta canción se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Smiths, gracias a la constante rotación que Steve Wright le dio durante su programa y llegó a vender más de 150 mil copias. Sin embargo, “Panic” es recordada también por el supuesto alegato en contra de la música negra que Morrissey hace en la línea: “Burn down the disco...”. Esta parte fue interpretada por Frank Owen, articulista de la Melody Maker, como una postura racista por parte del vocalista y se relacionó con las fuertes declaraciones que hiciera Morrissey en contra de Janet Jackson, Diana Ross y Withney Houston. A pesar de que Moz admiraba a artistas negros, este señalamiento como una persona racista lo ha acompañado a lo largo de su carrera.

The Smiths se van de gira por Estados Unidos, Canadá y el Reino Unido y ante la apabullante respuesta y convocatoria que tuvieron sus conciertos, Moz anima al público con carteles que anunciaban: “Si algún guardia de seguridad te detiene, bésale los labios” o simplemente anunciaban el título de su tercer álbum: “The Queen Is Dead”. Desde entonces, Morrissey utiliza este recurso, escribiendo frases en panderos y carteles por igual momentos antes de salir al escenario.

Al término de la gira, en octubre de 1986, Gannon fue despedido, debido a la supuesta falta de interés y pereza hacia sus compañeros, producto del estrés del guitarrista al estar dentro de un ambiente en constante tensión y complicaciones. Gannon se enteró de su despido a través de un amigo suyo, que había escuchado del rumor en las oficinas de Rough Trade.

Las cosas no mejorarían dentro de las filas de los Smiths. En noviembre del mismo año, Marr sufrió un terrible accidente automovilístico producto de una noche de copas con su esposa y Joyce. Esto obligó al cuarteto a suspender un concierto que iba a dar con The Fall en contra del apartheid, lo que renueva las sospechas del racismo de sus integrantes.

A principios de 1987, se editó un nuevo álbum recopilatorio para el mercado inglés, titulado: “The World Won’t Listen”, un comentario hecho por Morrissey en el que reflejaba su frustración por la falta de reconocimiento popular hacia el grupo, a pesar de que éste segundo acoplado alcanzó el segundo lugar en las listas del Reino Unido. Para el resto del mundo, se lanzó otro álbum recopilatorio: “Louder Than Bombs”. Éste incluyó “Sheila Take A Bow” y material de “Hatful Of Hollow”.

The Smiths lanzan entonces su décimo tercer sencillo: “Shoplifters of the World Unite”, que causó controversia entre algunos grupos de padres de familia británicos, al alegar que incitaba a sus hijos a convertirse en pandilleros y ladrones. A este sencillo le seguiría “Sheila Take A Bow”, “Is It Realy So Strange” y “Sweet and Tender Hooligan”. Con la edición de “Sweet and Tender Hooligan” se pondría fin a las presentaciones de The Smiths en Top of the Pops. A partir de ese momento, la exitosa carrera del cuarteto iba en declive debido a problemas internos, en especial la tirante relación entre Morrissey y Marr.

Las tensas sesiones de grabación de “Strangeways, Here We Come” -influidas por el cansancio físico y mental del guitarrista, que se sentía limitado por el estilo musical del grupo; la situación financiera del grupo en la que Cannon exigía un pago pendiente de la gira de “The Queen Is Dead”, rencillas con Rough Trade, los managers y un nuevo contrato con la multinacional EMI-, traería a futuro la tan lamentable decisión de la desintegración de The Smiths. En agosto de 1987, Marr decidió tomarse unas vacaciones temporales en Los Ángeles, cansado de la relación con la prensa, la insatisfacción que le dejó la grabación del nuevo álbum, la obsesión de Moz por grabar covers de los sesenta como lados B de los sencillos y la falta de apoyo por parte de Morrissey y la disquera.

"Strangeways Here We Come", cuarto álbum del cuarteto salió a la venta en septiembre de 1987. La producción incluía "Last Night I Dreamt that Somebody Loved Me", "Girlfriend in a Coma" y "Stop Me if You've heard This One Before", “Strangeways” significó el fin de la relación entre Rough Trade y The Smiths y el caurteto se preparaba para ser parte de los artistas de EMI, y lograr así un mayo éxito a nivel internacional.

Con Marr de vacaciones, le correspondía a Morrissey promover el disco y atender los cuestionamientos de la prensa respecto a su posible separación. El tiro de gracia lo daría NME. La publicación afirmó que los Smiths se separaban debido a la ruptura de la amistad entre Morrissey y Marr y el desacuerdo del vocalista por las constantes colaboraciones de su ex amigo con artistas como Brian Ferry; y la interrupción de Marr de las sesiones de grabación del álbum, producto de una viaje para colaborar en Estados Unidos con los Talking Heads. Aunque el malestar de Morrissey al respecto era cierto, también era cierto que la separación de Marr del grupo era sólo para recobrar fuerzas y regresar al grupo. En Los Ángeles, el guitarrista esperó la llamada de Morrissey que desmintiera esta información y la oportunidad de explicarle a su amigo lo que realmente sucedía. Esta llamada nunca se hizo y la supuesta relación entre ambos músicos no era más que interpretaciones que hacía la prensa sin poder confirmar con alguno de los dos si era cierto o no; dejándolos incluso a ellos mismos en el medio de un conflicto sin solución o aclaración, hasta nuestros días.

“Odio la forma en que nos convertimos en propiedad pública” – Marr

”Nada hubiese sucedido si NME no hubiese escuchado ciertos rumores sobre las intenciones de Johnny. NME es muy responsable de la separación de los Smiths porque sacaron el ataúd mucho antes de que el cuerpo estuviese frío” – Morrissey.

Oficialmente, la salida de Marr ocurrió en septiembre del 87. Después de un esfuerzo fallido por parte de Rough Trade para encontrar un reemplazo, Morrissey desbandó a los Smiths y se dedicó de inmediato a su carrera como solista. Marr ha trabajado con un sinnúmero de artistas, incluyendo The The, Electronic y Oasis. Andy Rourke se retiró de la industria y ha tocado con Sinead O'Connor y Joyce se convirtió en un integrante del reencuentro de Buzzcocks en 1991, salió de gira con Proud Mary y actualmente es locutor de radio para una cadena radiodifusora de Manchester. El álbum "Rank" grabado en vivo durante la gira de “The Queen is Dead”, salió a la venta en septiembre de 1988. Debutó en el segundo lugar del top del Reino Unido. Una compilación en dos partes fue lanzada en 1992; y Singles (un álbum recopilatorio más) en 1995.

Lo único que ha podido reunir a los Smiths fue una demanda por parte de Joyce y Rourke en contra de Morrissey y Marr, en donde exigían el pago de regalías de presentaciones en vivo y sesiones de grabación que no se les otorgaron en su momento. El caso lo ganaron Joyce y Rourke y fue fuente de inspiración para la canción “Sorrow Will Come in the End”, incluida en el álbum “Maladjusted”, de Morrissey. Moz apeló sin éxito la decisión del juez.

Nuevamente, en noviembre del 2005, Mike Joyce fue objeto de controversia al declarar durante una entrevista para BBC 6, que debido a los problemas financieros vendería rarezas grabadas durante las sesiones de los álbumes de los Smiths, a través del sitio eBay. Para muestra, Joyce presentó entonces “The Click Track”. Finalmente los abogados de Morrissey llegaron a un acuerdo con Joyce y esas cintas siguen sin darse a conocer.

En 2005, VH1 intentó reunir a los Smiths a través del programa “Bands Reunited”, pero después de muchos intentos fallidos por acorralar a Moz, la producción se dio por vencida. En marzo de 2006, Morrissey reveló que el Coachella Valley Music and Arts Festival ofreció cinco millones de dólares a los Smiths para reunirlos en una única presentación en dicho festival, a lo que Morrissey contestó por medio del mismo comunicado que el dinero no era lo que se necesitaba para reunir al grupo.

“Los Smiths fueron un fantástica travesía que ya concluyó. Sentía que no debíamos habernos separado, yo quería continuar. Marr quería terminar con todo y así sucedió. Creo que si yo, en comparación con los demás he trabajado tanto desde nuestra separación... ¿por qué habría de regalarles la atención que no se han ganado por sí mismos? No somos amigos, no nos frecuentamos. Entonces, ¿por qué tendríamos que compartir un escenario?” - Morrissey

The Smiths fue publicado en la revista especial de La Mosca, en su edición de febrero de 2007.

The Long Blondes

The Long Blondes
Someone to Drive You Home
Rough Trade
2006

Autos, rubias, rock´n roll.
por Anna Stephens

Como si se tratara de una ley newtoniana, la mayor parte de la población mundial cree que las rubias son tontas. ¡Y cómo desmentirlos!, si desde tiempo atrás algunas blondas naturales -y otras no tanto- han dado fuerza a ésta creencia: Marilyn Monroe probó que los hombres las prefieren rubias, Gwen Stefani hacía pucheros y cantaba “Just a girl” y Alejandra Guzmán le cantó a Paulina Rubio “Hey güera”... seguramente el espíritu de Simone de Beauvoir se lamentaba como la mismísima Llorona. Mención aparte y honorífica merecen Pamela Anderson, Britney Spears, Mariah Carey y Paris Hilton. Otras güeras han tratado de quitarse este estigma que las persigue cual tormenta sobre sus tan envidiables cabelleras y aunque el número de ejemplos no rebasa a las del equipo contrario, sí se puede mencionar a Madonna (sin olvidar su tan afamado “Blonde Ambition Tour”), las 4NonBlondes con todo y su one hit wonder, Deborah Harry (con o sin Blondie) y en noviembre del 2006 se sumó a la lista The Long Blondes.

El quinteto de Sheffield, Inglaterra está integrado por tres chicas, Kate (voz), Dorian (guitarra), Emma (guitarra y teclados) y dos chicos, Reenie (bajo) y Screech (batería) . The Long Blondes fueron calificados en el 2005 como la mejor banda británica no firmada y para abril del 2006 Rough Trade les ofreció un contrato para editar -después de tres meses de sesiones de grabación-, su primer álbum: Someone to Drive You Home.

Influenciados por The Smiths, Blondie, Siouxsie and the Banshees, pero sobretodo por sus coterráneos Pulp y con una buena carga de peróxido en las guitarras, Someone to Drive You Home hace un recorrido por lo que significa la vida de una adolescente, narrada desde una perspectiva sencilla, directa y honesta... muy al estilo Jarvis.

En la primera canción “Lust in the Movies”, Kate responde al llamado hormonal cantando: “I just want to be your sweetheart...!” y para “Once and Never Again” recomienda a una chica de 19 años que, a su edad no necesita un novio, cayendo así en el cliché de la hermana mayor que sabe lo que siente la otra. “Only Lovers Left Alive” pasa casi desapercibida para continuar hacia “Giddy Stratopheres”: la fusión atemporal del estilo de Siouxsie con las guitarras de Nick McCarthy, de Franz Ferdinand. “In the Company of Women” sería inadvertida sino fuese por la trama. Para “Heaven Help the New Girl”, Kate literalmente retoma el relato de “Once and Never Again”, como una balada de alguien que sufrió los golpes (¿también literales?) de una relación pasada. “You Could Have Both” es el odio directo hacia aquellas chicas que gustan de entrometerse en una relación. “Separated by Motorways” representa el choque entre The Smiths y Sons & Daughters. “Weekend Without Makeup” es temáticamente la respuesta perfecta de The Long Blondes a “Lipgloss” de Pulp. “Madame Ray” recuerda a lo más pop de Pretty Girls Make Graves y finalmente “A Knife for the Girls” es el track más oscuro y con el que cierra el disco.

Esperemos que a The Long Blondes no le suceda lo mismo que a Pulp al ser dejados de lado por destacar a los representantes de la escena británica del momento; esperemos que la sinceridad, desenvoltura y seguridad que la banda plasma en Someone to Drive You Home sea reconocida a tiempo y no a futuro; y esperemos que la calvicie llegue pronto para Paris, Britney, Pamela...

La reseña de The Long Blondes fue escrita para el Extracto de la Semana del 9 al 14 de enero de 2007 de Ibero 90.9

Entrevista Kasabian

Entrevista con Kasabian
Por Anna Stephens

El Reino Unido fue erigido por hombres y mujeres de la clase media, que creyeron en la sangre azul y la divina descendencia de sus reyes para la edificación del imperio. El belicoso pasado y el alto costo en vidas por el cual ha atravesado la historia del Reino Unido, lo ha marcado como uno de los pueblos más sangrientos de la humanidad. Historia que fue inspiración para el primer álbum de Kasabian, quienes recluidos durante meses en una granja al sur de Inglaterra grabaron su álbum homónimo, editado en el 2004. Para Empire, su segunda producción, el cuarteto de Leicester dio la vuelta al mundo y regresó para de nuevo recluirse, en ésta ocasión, en el mundo de las drogas psicodélicas.

Durante su visita a México, Kasabian presentó por primera vez en vivo este material. Previó al concierto, Serge Pizzorno (guitarrista y líder) platicó del inconsciente carnívoro y las reclusiones mentales que lo inspiran a componer.

¿Cómo era para ti un día común en Leicester?
Todos provenimos de familias de clase trabajadora…. Todos fuimos a la escuela, ninguno de nosotros quería un trabajo de mierda, así que formamos una banda. Yo trabajaba en una fábrica de Tía María. Empacaba las botellas y pasaba las cajas al siguiente nivel. Era todo lo que hacía. Me pagaban 5 libras por hora. Era podidamente aburrido…

El tedio puede llevar a la mente a lugares muy oscuros...
Si lo mencionas por el nombre del grupo, no estamos obsesionados con Charles Manson, él esta totalmente fuera de la realidad, era un nazi. Simplemente necesitábamos un nombre y me gustó como se escuchaba ese, así que lo adoptamos.

En su primera producción, existe una enorme constante de sangre, carne y una sensación de aislamiento y locura.
En el primer disco estábamos obsesionados con la sangre, la carne y todo ese tipo de cosas, porque queríamos provocar sensaciones y despertar pensamientos en la gente que nos escucha. Solamente decimos las cosas de manera diferente, no de un forma maligna… son solo palabras que te provocan pensamientos. No es ninguna obsesión con Jack el Destripador o algo por el estilo, mientras te guste lo que escuchas, las letras no tienen que ser tan profundas. Así es la música. No creo que necesites siempre de un significado. Hasta donde recuerdo, no tengo idea de qué tratan mis canciones favoritas... por ejemplo en ”I Am The Walrus” no tengo idea de lo que habla o el por qué utilizan tales o cuales palabras, sólo sé que me gusta…

¿Crees que actualmente los músicos tengan miedo de decir las cosas de frente..?
Actualmente existe un enorme vacío de íconos, porque nadie tiene nada que decir o porque temen decirlo y eso es una mierda. Nuestra música trata de la gente, no del sistema. Es acerca de los jóvenes y de lo que sucede cuando estás hasta la madre de todo. Es una invitación a la gente para que vaya a nuestros conciertos y enloquezcan, y lo hacen. Eso es lo que tengo que ofrecer. Soy un músico, no pretendo cambiar el mundo como lo hacen Bono o los demás, está bien por ellos, que Dios los bendiga, pero esa no es mi intención. Nosotros engañamos al sistema al integrar una banda y vivir de esto, si quienes nos escuchen nos ven como inspiración ¡qué bien!, sino tan sólo pasan un buen rato escuchándonos y es todo.

¿Cuál es la constante de Empire?
El nuevo álbum es acerca de drogas psicodélicas. Es en donde estamos en este momento. Antes estábamos muy enojados. Fueron demasiadas cosas las que sucedieron mientras hacíamos el primer disco. Fue cuando estalló la guerra en Oriente Medio y todo lo que conllevaba: los encabezados alarmistas en los diarios y cosas así y necesitábamos salir un poco de todo eso. Es de dónde provenían las canciones del primer álbum. No pretendíamos decir qué estaba bien y qué estaba mal. En ese momento esa clase de letras sonaban bien para nosotros y así se hizo el disco.

Empire es como una gran orgía en París en la década de los 20, así es como se escucha. El álbum esta inspirado en la Absenta, cuando tomas absenta es como estar más allá de pedo. Se siente como el fin del mundo… Incluso días después de haberla tomado, no recuerdas nada respecto a esa noche. La mejor manera de obtener drogas en Leceister es cultivándolas tú mismo. Los hongos crecen en el bosque, así que simplemente puedes salir a recogerlos y la absenta es legal en las licorerías de allá.

Con Empire, Kasabian vuelve a dar otra vuelta por el mundo, dejando de lado la indumentaria de working class heroes y vistiendo un nuevo traje de emperadores. El cometido ahora es librar la encarnizada batalla del famoso segundo álbum y al mismo tiempo unificar al imperio, que espera coronarlos a su regreso como la siguiente gran banda del Reino Unido.

La entrevista con Kasabian fue publicada en el número de enero de la revista La Mosca.

Robbie Williams

“Un gran número de estrellas del pop son gays pretendiendo ser heterosexuales. Voy a comenzar un movimiento de estrellas pop hetero, que pretendan ser gays.”
Robbie Williams

Robbie Williams
por Anna Stephens

Para muchos, un mal que parece que nunca desaparecerá de la escena musical son las boy bands, así como su modalidad rockera, mejor conocida como emo. Para otros significa un mal necesario, que a pesar de explotar lo más predecible y deteriorado del pop, sirve como contrapeso al resto de los estilos musicales.
Aunque poco se espera de quienes integran las tan odiadas boy bands, en años recientes han sobresalido dos hombres que lograron sobreponerse a la chiclosa música que masticaban antes: Justin Timberlake y Robbie Williams. Después de varios años en contra de esas caries conocidas como *Nsync y Take That, estos señores se han ganado el respeto del público y la industria, haciendo su propio trabajo y haciéndolo bien.

En el caso de Robbie Williams, éste lo ha llevado a ser candidato para fungir como vocalista de Queen, a ser compa de Noel Gallagher y a firmar un contrato por más de 80 millones de dólares con EMI Music, además de un jugoso deal con Adidas. Su carrera ha sido como una bola de nieve que no conforme con arrasar con todo a su paso por Europa, brincó el charco para establecerse en México y parte de Latinoamérica, gracias a nueve años de experiencia como solista –al parecer Estados Unidos sigue siendo territorio difícil de conquistar para los británicos.

Seis álbumes después, Williams presenta su CD más arriesgado y ambicioso: Rudebox. Robbie suelta la lengua y en vez de entregar un material lleno de coros melosos y obvios, hip-popea con versos de su propia autoría y sale bien librado. De los quince tracks que componen el álbum, destacan “Rudebox”, “Keep on”, “Never touch that switch” y “She’s Madonna”.

Rudebox cuenta con la participación de Lily Allen, William Orbit y los Pet Shop Boys en los coros y la producción, además de incluir cuatro reinterpretaciones: el malogrado “Bongo bong/Je ne t’aime plus” (original de Manu Chao); la renovada “Lovelight” (de Lewis Taylor); “Kiss me”, de Stephen Duffy y “We’re the Pet Shop Boys” (de My Robot Friend).

Luego de la cuestionable calidad de Intensive Care, este disco toma un rumbo diferente al acostumbrado, que sin duda se traducirá en duras críticas; sin embargo, es una producción que bien podría ponerse al tú por tú con St. Elsewhere, de Gnarls Barkley y quedar en un empate técnico.

Once años después de su salida de Take That, Robbie Williams se perfila para alcanzar los niveles de Madonna o Michael Jackson. Es uno de esos tipos que debido a su personalidad es odiado o adorado; de los que se aman en secreto pero se les niega en público, por la sencilla razón de que sabe tocar ese nervio pop que todos llevamos dentro, pero que nos cuesta trabajo aceptar.

Robbie Williams
Rudebox
EMI Music
2006

El artículo del nuevo álbum de Robbie Williams fue publicado en el número de enero de la revista Círculo Mixup.

Pulp

“Como un gran número de personas, creo que el show de John Peel fue el lugar donde realmente aprendí acerca de la música.”
Jarvis Cocker

Pulp: The Peel Sessions
por Anna Stephens

El show de John Peel mostraba a todas aquellas bandas que, independientemente de su tendencia musical o experiencia, podían hacer algo más que sólo componer y tocar; bandas que podían comunicar, de manera casi visual, la música que tocaban en vivo. En su espacio radiofónico de la BBC de Londres cabían artistas emergentes y canciones que en muchas otras emisiones se negaban a tocar. John Peel fue una figura familiar para los melómanos en el Reino Unido y se convirtió en el padrino de varias agrupaciones cuyos integrantes lo escuchaban fervientemente. Muchas bandas trataron de cautivar el oído del locutor, pero pocas lograron grabar más de una sesión en vivo para su programa… y Pulp fue una de ellas.

En una de las visitas de Peel a Sheffield, el vocalista (de tan sólo 18 años de edad) le entregó una cinta con sus grabaciones caseras al locutor; cinco días después, el productor del programa invitó al grupo a viajar a Londres para grabar su primera sesión, en 1981, aunque regresarían al programa en 1993, 1994, 1995 y tres veces en el 2001.

Así que las recién editadas “Peel Sessions” de Pulp son un invaluable documento que sobrepasa a cualquier programa de televisión o libro escrito sobre el grupo. No se trata sólo de escuchar a Pulp en vivo, sino de descubrir la aportación –pocas veces reconocida– de Jarvis y compañía a la música inglesa. Es además un relato vivo de su evolución, en un par de discos que muestran la fe de una persona que creyó en la música y la expuso por más de dos décadas en sus formas más rústicas y refinadas, sin importar nada más que comunicar sus posibilidades infinitas.

Pulp

Peel Sessions.
Island/ Universal,
2006

La reseña del álbum de Pulp fue publicada en el número de enero de la revista Círculo Mixup.

Oasis

Oasis
Stop the Clocks
Sony-BMG
2006

por Anna Stephens

Primer recopilatorio de los de Manchester, en el que más que incluir lo mejor, recogieron las dieciocho canciones más conocidas, coreadas y aplaudidas del ahora cuarteto. Sin dejar de lado el estilo Gallagher, este acoplado doble presenta sólo nueve canciones por disco y en estricto desorden cronológico.
Inician con“Rock ‘n’ Roll star” y se despiden con “Don’t look back in anger”, aunque también figuran “Wonderwall”, “The masterplan” y “Live forever”, entre otras.

El arte gráfico del álbum es una combinación entre lo que hicieron en Definitely Maybe y (What’s The Story) Morning Glory?, con fotografías de distintas etapas del grupo.

Este disco llega en un momento en que el grupo reencuentra el camino de lo que hacía una década atrás, pero ¿por qué no aprovechar el espacio que tiene un CD para incluir lados B o canciones como “Cast no shadow”, “Shakermaker” o “Whatever”? ¡¿Por qué?!

La reseña de Oasis fue publicada en el número de enero de la revista Círculo Mixup.

Foo Fighters

Foo Fighters
Skin and Bones
Sony-BMG
2006

por Anna Stephens

Una excelente selección de canciones ofrecieron Dave Ghrol y sus muchachos durante un concierto en Los Ángeles, en agosto pasado. Un show acústico en el que además de los instrumentos de cajón figuraron el violín, la mandolina, el piano, el acordeón y la armónica, para dar vida a las 15 canciones que aparecen en este álbum. Destacan “My hero”, “Next year”, “Big me”, “Best of you” y sobre todo “Everlong”. Y lo mejor es que en todos los casos y a pesar del formato, las canciones no pierden un gramo de fuerza o de contundencia interpretativa.

La reseña del álbum de Foo Fighters fue publicada en el número de enero de la revista Círculo Mixup.

Hot Chip

Hot Chip
The Warning
DFA/Astralwerks

por Anna Stephens

El primer álbum de Hot Chip, Coming On Strong, fue editado hace un año y recibido con muy malas observaciones por parte de la prensa especializada. Críticas respecto a la poco profesionalización del quinteto, las letras tan simplonas como absurdas y lo apegado que estaban a sus influencias fueron las constantes de esa producción.

Para The Warning, los londinenses demuestran que no son un grupo homenaje a New Order o The Beta Band, y que saben cómo romper un par de piernas a través de sus canciones. “Careful”, “And I Was A Boy From School” y “Just Like We Breakdown” son prueba de lo anterior, pero sin duda, las mejores canciones de las once que componen el álbum son: “Over And Over” y “No Fit State”.

A pesar de continuar con una fuerte carga que remite a sus influencias pasadas y contemporáneas, con The Warning, Hot Chip acallaron las voces de quienes los veían como un grupo más de la escena dance alternativa británica y de paso se colocan como uno de los mejores discos del 2006.

La reseña de Hot Chip fue publicada en el mes de diciembre de 2006 en el website de Ibero 90.9